Vocabulaire de la musique baroque PDF

Vocabulaire de la musique baroque PDF

Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre. Renaissance, les musiciens prennent l’habitude d’alterner les airs de vocabulaire de la musique baroque PDF selon leur rythme — lent ou vif, solennel ou gai, etc.


En raison de son ampleur, de sa production pléthorique de textes érudits et de son formidable développement musical (Monteverdi, Purcell, Lully, Vivaldi, Bach, Haendel, Rameau…), l’âge baroque utilise une lexicographie particulièrement mouvante qui reflète l’évolution accidentée de ses formes, de son langage et de ses instruments. À partir des traités de l’époque, du corpus musical et des recherches actuelles en musicologie, l’auteur a tenté de résumer l’essentiel. À l’instar de toutes les révolutions culturelles, la musique baroque a pris le contre-pied de son modèle, la musique de la Renaissance, en adoptant des principes esthétiques nouveaux, comme le récitatif, la basse continue ou le style concertant, et en créant des formes majeures, comme l’opéra, l’oratorio, la cantate, la sonate, le concerto grosso et le concerto de soliste. En même temps qu’une incitation à la découverte d’une période étonnamment riche de l’histoire de la musique, ce vocabulaire se veut une réponse concise aux questions que peuvent se poser le musicien, l’étudiant et le mélomane.

Estienne Du Tertre publie en 1557 des suyttes de bransles, faisant ainsi une utilisation du terme quand la forme usuelle n’était alors qu’une paire de danses. 1611, dans laquelle les quatre danses du titre se répètent dans dix suites. Le schéma habituel d’une suite est : Allemande, au tempo modéré et d’origine allemande, Courante, au tempo vif, d’origine française, Sarabande, au tempo lent et d’origine espagnole, Gigue, au tempo vif et d’origine anglaise. Mais le cadre proposé n’est ni rigide ni figé, et presque tous les compositeurs introduisent des variantes.

Ou encore des airs, des toccatas, des fugues, des fantaisies, des mouvements à l’italienne : allegro, andante, largo, etc. Mais la gaillarde et, surtout, la pavane ne sont pratiquement plus présentes. Italie avant que ce terme ne soit réservé à une forme musicale différente et spécifique. La suite n’est pas réservée aux instruments solistes, mais peut se pratiquer dans toutes les formations instrumentales en usage à l’époque. Les célèbres Ouvertures pour orchestre de Bach ressortissent à la suite, même si elles ne respectent pas le schéma classique Allemande-Courante-Sarabande-Gigue.

La suite baroque fut progressivement supplantée par la sonate et la symphonie. Le nom fut repris plus tard dans une acception différente, mais désignant toujours une forme composée. Dans le domaine de la musique à plusieurs instruments, on peut noter ses  concerts royaux  et ses sonates :  L’apothéose de Jean Baptiste Lully  et  L’apothéose de Arcangelo Corelli  dans lesquelles il plaide avec une égale passion pour la réunion des goûts italien et français. Il a également écrit une méthode pour jouer du clavecin appelée  l’art de toucher le clavecin , référence incontournable pour tout interprète qui aborde l’instrument.

Jean-Philippe Rameau : parmi ses suites pour clavecin on trouve « La poule », « L’Égyptienne », « Les tourbillons » et « Pièces de clavecin en concert » qui sont des petites pièces pour clavecin et accompagnement de cordes formant une suite. Des difficultés à utiliser ces médias ? Des difficultés à utiliser ces médias ? La Suite bergamasque de Debussy en est sûrement l’exemple le plus remarquable, notamment le troisième mouvement, Clair de lune. Les Planètes de Gustav Holst sont une suite pour orchestre dans laquelle chaque pièce présente la signification astrologique de l’une des sept planètes inhabitées alors connues. Les enchaînements de danses sont pratiqués depuis la Renaissance dans la plupart des cultures européennes et se sont perpétuées dans les traditions dansées. Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète.

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